【不周资讯】六月展览活动推荐

【不周资讯】六月展览活动推荐

  达芬奇真迹《美丽的公主》原作将首次与中国观众零距离接触，该作品展期为5月29日至8月5日，结合达芬奇102件手稿和50件手稿还原装置，全面解读达芬奇艺术、科学、建筑等领域的成就。鲁班主题展区则将体现从春秋战国时期的鲁班到三国时期诸葛亮，明代《天工开物》的出刊，再到当下社会传承的具有中国特色的智慧发明，完整展现有史以来人类美好的创造与想象，重现艺术科学辉煌的创新精神。

  这是一场达芬奇与鲁班“穿越时空的对话”，艺术与科学的以“创造”为脉络连接中国春秋时期的发明家鲁班与西方文艺复兴时期的艺术家、发明创造者达芬奇，集结了东西方2500年来艺术、建筑、手工艺等各领域的发明创造，将达芬奇102件手稿，50件装置作品、以及鲁班及后世艺术与科技创造成果精粹划分为9个不同的主题展区，辅以当下多媒体数字科学技术、全息影像等手段，全方位展现了人类智慧与文明震撼人心的伟大成就，以震撼的视觉呈现讲述历史、今天与未来的故事。

  文艺复兴是意大利历史上最辉煌的文化运动之一。它通过接受、复兴、利用和改造古典文化传统，即希腊罗马文化中的精华，实现了文化革新，在文化、艺术，以及政治和社会生活等方面都引发了深刻而持久的转变，开启了西方文明史上的一个新时代。

  本次展览不仅包括文艺复兴时期意大利的绘画，还有服装、日常生活用品和建筑影像。希望观众朋友们通过丰富的展品来探究这个时代社会、政治和文化的独特之处，更深入地理解意大利文艺复兴运动。

  人的大脑有一套神奇的脑补系统，只看到一个logo，就能脑补出几倍的内容。在斯皮尔伯格的新片玩家一号中，彩蛋一个接一个的不断涌出，观众的呼声也一阵接着一阵，甚至感动到哭了出来，主要是因为他看到了与自己经验相关的形象，脑补出了当年与之相关的林林总总，情感一下得到了宣泄。这是一种跨越时空的“贴”，把过去的经验贴合到现在的场景中产生出新的体验。

  我们的展览也是如此。开幕的晚会是作品的现场，各种不同的艺术形式：装置、影像、音乐和爬梯，由艺术家和观众的共同参与完成，贴在一起，而展览真正开始的第二天，带给来参观的人们的不单单是留在现场的作品，还有一天晚上爬梯留下的痕迹，昨晚发生了什么？不在现场的人就像侦探一样研究着蛛丝马迹，虽然有现场的视频，但在场和不在场的人的理解是不一样的。

  本次展出作品为cowboy系列，八幅作品。取材于万宝路香烟的广告片，西部牛仔角色。创作手法为重新翻拍的摄影作品。

  他从来不怕争议，不怕在风口浪尖被人质疑，他喜欢挑战灰色地带。他不在乎版权、著作人权。代表作品：Instagram系列。

  他不止运用翻拍照片的形式，也使用油画的表现形式。eg：护士系列。Richard亦跟LV有过密切合作，他跟Marc Jacobs互相欣赏。2009年大秀，模特装扮成护士造型，当季包袋亦与他联名创作。

  美国19世纪的专利模型，是在其独特的时代背景下产生的。本次展览展出60件美国19世纪的专利模型，包含发动机、交通运输、采掘工业、印刷业、轻工业、衣食住行六个部分，较全面地展示了19世纪美国在各领域的技术发展和发明创造，同时还将展出一份1797年由乔治•华盛顿总统签署的专利证书，这份珍贵的文件展示了美国在建国初期对专利制度的探索和重视。

  本次展览的展品均为哈格利博物馆与图书馆馆藏。哈格利博物馆与图书馆位于美国特拉华州维明顿市，收藏了5000余件从1809年至1906年间制作的专利模型，其模型馆藏规模仅次于美国史密森学会。

  达·芬奇的出现如同一道透彻的光，照亮了漫长的中世纪欧洲。达芬奇是“文艺复兴”最完美的代表，是毋庸置疑的天才，首先他是个伟大的画家，他的《蒙娜丽莎》《岩间圣母》《最后的晚餐》已经人尽皆知，登峰造极，除此之外，他的研究领域还涉及自然科学、解剖医学、建筑工程、军事工程、机械制造、天文地理、水利工程、桥梁等等；他甚至独创睡眠法，一天仅睡三四个小时，将全部的精力都投入到了创作研究之中。他有能力把握住艺术和科学的不同边界，并且在他关注的任何领域都有新的发现和成就。

  就像达·芬奇是艺术和科技最完美的结合一样，本次展览无疑也是艺术和科技最完美结合的一次体验。展览使用影像讲述故事，场面宏大，引人入胜，故事叙述是通过大型专业投影仪在场地墙面、地面进行投射：千余张高清数字影像和全屏高清视频，以及360度杜比环绕声，让人置身其中，感受大师的旷世之作。同时展览还展出了大师的经典画作和珍贵的手稿，还有几十个达·芬奇发明的机器模型，由意大利佛罗伦萨Martelli工作室根据原物极其详细的资料复原而成，以及挂在展厅中央的巨大的飞行器，极具震撼力。

  “小满·格物”是延续漆天手作在2016年的“谷雨·格物”东方生活美学展，对于“不格物何以为美”这个美学问题的探讨。此次展览，对“天然大漆”在艺术、设计创作中的使用进行更深入的探索。这是我们所关注的“一事”，艺术家和设计师通过他们不同艺术形式的“穷尽”呈现，展览作品有机融合在我们所处的空间中

  为期一个月的展览将通过相迎、安坐、自在、融合四个不同的空间场景的打造，让“大漆”原素，或融在饱含激情的画作、或髹于坐榻香案之上、又或是手边圆润饱满的小罐、边几等。自古国人就有着非常高的美学追求，这不仅体现在创造宏大著作，更体现在生活细节上的极致，一桌一椅，一杯一盏，无不在其中极致追求。这种东方美学生活的追求一直在我们的基因中存在并生长。由物及人，呈现几位创作者的艺术造诣，生活哲学，以及他们矢志不渝的匠心追求。

  「设计源于生活」是Paul Smith 先生的创作名言，展览中的众多展品及场景无不体现着这个精神。本次展览超过2,000件展品，可以体会到从他的生活、创作到每个呈现的空间都富含英式幽默感：特异却不轻浮，另类却不失态。Paul Smith先生时尚、自然、真挚而充满激情的创意理念，创造出许多独树一格的文化符号，奠定了在全球时装界的崇高地位。英国设计博物馆每年都选出在设计创作行业的重要人物，为其筹划大展。本次大展，被策封为爵士的Paul Smith先生，将分享其创作灵感给北京乃至全中国的观众们，让英式幽默也能成为创意的养分。

  本次展览将展出Paul Smith先生 40年创作生涯全记录，真实重现第一家时装商店以及第一次时装周展示的历程。展览区域更涵盖多件跨领域的联名设计作品以及历年精选服装展示，经典又多元丰富；美轮美奂的场景空间触目皆是，如精心打造的七万颗手工扣子墙，风靡全球的巨型粉红色摄影棚，均让大家在观展的同时拍出最有个人特色及视觉设计感的影像，留下珍贵的观展回忆。 除此之外，你还能体会到仅在北京站才有的创意彩蛋，Paul Smith先生御用顶尖橱窗设计师将实地打造时尚场景，及用独特的手法呈现时装秀现场工作的繁忙景象，让你更近一步感受Paul Smith先生对生命及创作的热情，探索他脑海中的奇思妙想，与英式生活say hello。

  公共雕塑是大卫•歌诗坦最富创造性和代表性的艺术作品，在世界很多地方都能够正常的看到，这中间还包括新加坡的地标性雕塑“Momenta”。 他的剪切墙面装置也别具风格，独树一帜。 这两者的成功，使我们对他同样杰出的绘画和室内雕塑作品充满期待。

  作为一名以色列公共艺术开创者，歌诗坦始终没放弃绘画和雕塑创作。不同于格林伯格的现代主义观点，即各种媒介有清晰的界限，歌诗坦痴迷于拼贴、色彩和形状，善于结合各种艺术媒介的特色，并灵活运用在他的创作中。

  展览 “现在完成时” 寓意包含过于、现在与未来。虽然年过古稀，歌诗坦依然保持旺盛的创作力展题 “Present Perfect” 中的 “Perfect” 字面翻译应为 “完美”。这既是大卫•歌诗坦自信与积极个性的真实表达，也是对站在他作品前的每一个人的赞美和祝福。

  展览标题 “Olafur Eliasson： The unspeakable openness of things”（中文译为《道隐无名》）引自哲学家、同时也是埃利亚松挚友的蒂莫西·莫顿（Timothy Morton）在描述艺术时所使用过的一句话。埃利亚松经常鼓励观众在各个作品当中穿梭，通过身体对作品的感受，去感知那些无法描述的体验元素。对埃利亚松来说，艺术作品是通过艺术家在工作室进行创作、加上艺术品实体与观众之间的互动共同生成的，二者同样重要。观看并穿梭于艺术作品当中，观众参与了协同创作的过程之中，这对作品意义的生成起着至关重要的作用。

  红砖美术馆的各空间专注于呈现特定的自然现象——光、雾、影、水，或者是对动态的、规律性以及几何性的探索，来阐释埃利亚松艺术生涯中各个重要关注点。观众穿梭于不同的装置作品之间，从第一件特定场域作品《黄太阳》的强光中开始，渐渐走进幽暗的世界，最后在黑暗的空间内欣赏创作于2016年的《聚合彩虹》，这件大型装置通过空间内折射的光，来感受可见光谱。其中，《声音银河》（2012 ）由埃利亚松和已离世的老搭档Einar Thorsteinn共同创作。在主要装置作品的四周，同时展出用融化的冰川冰制作的水彩画以及有关日食的作品。《盲亭》（2003）是埃利亚松在2003年威尼斯双年展丹麦馆中首次展示的重要作品，也将在展厅外的庭院中呈现。

  本次展览共展出了包括雕塑、视频装置、布面油画、铅笔纸本、版画等多种材质的近40件艺术作品，反映和反思了当代人对自我身份的探索与认识，抗拒与恐惧。展览所邀请的两位艺术家塔耶巴·波更·丽琵和马部布尔·拉赫曼，是一对来自孟加拉国的夫妻档。在文化、宗教、发展程度都多元且拥挤的城市里，丽琵和拉赫曼反思自我、他人、集体三者，并用不同的层级思考“身份”和“认同”的主题。两位艺术家的作品在世界各地均有过展出，享誉艺术界。

  地点: 上海杨浦区邯郸路220号复旦大学300号楼蔡冠深人文馆（复旦大学博物馆）

  本次展览共展出了由印度德里安贝卡大学提供的1858至2016年间的八十余张德里照片。展览分为序言“第九个德里”以及“椅子的革命”、“鞋匠的出走”、“骡子的解放”、“摩天轮的歌”、“欢庆的提卡”、“流浪的栖息地”等6个单元，每个单元以照片主人公的第一人称视角的日记叙述来引入照片故事。展览旨在以真实、鲜活的人与故事为切入点，为观众提供一种认知与理解城市的新视角，引发观众思考现在、未来人与城市发生连接、互动的方式及其背后的原因，为探讨人与城市的关系变化提供一扇窗口。

  第五空间，并非一个“时空”的概念，而是一个意识的空间，反映的是事物的本质，体现了意识世界和物质世界的相互反应。《Room V 第五空间》展，饱含艺术家无比丰富的想象力，以及浸润其中的地域文化与社会内涵，向观众展示了丰富的人文面貌和VR技术的最新成就。

  虚拟现实艺术展《Room V 第五空间》，上演虚拟现实里的“人生百态”，带领观众“逃离”现实，直奔未来。本次展览由艺仓美术馆联合瑞士世界虚拟现实论坛、上海纽约大学交互媒体艺术系共同主办，艺术与科技的强强联合，势必造就一场超乎感官想象的展览体验。

  此次展览集合了近20件来自美国、加拿大、保加利亚、塞内加尔、爱尔兰、韩国、瑞士、中国等国家和地区艺术家的创作，涵盖多个流派，均为艺术家近两年最新完成的优秀作品。本次《Room V 第五空间》展将分为两季，不同的VR视觉内容，为观众带来更精彩内容。

  昊美术馆（上海）十分荣幸地宣布将于2018年6月1日为公众带来阿根廷错觉艺术家莱安德罗·埃利希（Leandro Erlich）的大型个展“虚.构”（CONSTRUCTION OF REALITY）。展览将呈现埃利希30多件代表作品，涵盖了大型互动装置、影像装置、摄影等创作形式。埃利希通过对建筑空间的改造，利用视觉制造的错觉和幻象来动摇人们日常生活经验里的常识，从而创造出令人遐想的视觉迷宫。

  展览名“虚.构”是对雷安.莱安德罗·埃利希艺术创作方式复杂性的一种双重诠释，“虚”意指虚拟、虚幻，代表了艺术家利用视觉的错觉落差呈现作品的手段；“构”，意指建构、构筑，是艺术家在错觉基础上对建筑空间的改造和重建。在此次昊美术馆个展中，埃利希将特别呈现一件跟上海有关的互动性装置作品“建筑”。该件作品是艺术家“反射的视觉幻象建筑”系列作品的最新版本，选取了现为上海历史博物馆（前上海美术馆）主体建筑中“钟楼”作为主体创作元素，用巨型镜面反射出观众与钟楼建筑的虚拟互动。此外，“楼梯”、“教室”、“隐匿花园”、“邻居”等经典作品也将在昊美术馆的展览空间中得以巧妙地呈现，共同“虚构”出埃利希的魔幻艺术世界。

  绵延一词来自法国哲学家柏格森，他将钟表刻度化的时间称为空间时间，将直觉体验到的时间，也即我们一般所说的心理时间称之为绵延，但是，李易纹并没有沿用柏格森的概念，而是将绘画中的时间问题纳入创作中，提炼出了绘画中的第三种时间--一种有关感知的时间，是记忆、直觉、经验、体验相互渗透并凝结于绘画中的时间。从日常与阅读中发现有意味的词汇或术语，然后结合艺术感知与体验对这些词汇进行解构与重构，用绘画的方式开辟一种全新的解读，是李易纹近期创作的主要路径，也是本次展览主题的来源。

  李易纹用后现代的方法，通过对图像的过滤、选择与提升，将非逻辑、虚构、异位与直觉的要素融入画面，在颠覆了以往的绘画叙事的同时，又生成了新的图像意义--是一种能被感知的陌生化样态，这样，想象的空间不断被打开和延伸，在某一种意义上拓展了绘画的修辞，建构了一种新的绘画表达方式。

  今年6月，在全世界内拥有超高人气的克罗地亚的失恋博物馆即将在沪开启。这是该展览第一次获得官方授权来到中国大陆，届时展览将于上海「上生·新所」开启。

  失恋博物馆从一个旅行展发展而来，由制片人欧琳卡·维什蒂查和画家德拉仁·格鲁比西奇共同创办，收藏有上千件来自世界各地的承载着不同破碎关系记忆的物件。

  欧琳卡·维什蒂查和德拉仁·格鲁比西奇曾经也是一对恋人，分手时，有人劝他们扔掉一切能勾起回忆的东西，好彻底忘掉对方。但经过一次友好的促膝长谈，他们更希望可以保存那些物品。于是，他们从用集装箱保存有两人珍贵的物品开始，到自己设计并装修了失恋博物馆。

  与那种鼓励人们通过毁灭的方式来从失恋中走出的理念不同，失恋博物馆为人们提供了通过创造来克服崩溃情绪的机会。而这种创造指的就是为博物馆捐赠展品。

  不论捐赠者是出于什么动机，或是想要出风头，或是为了治疗情伤，或是出于单纯的好奇，人们都乐于接纳展出自己“爱的遗物”这个想法，就像是去参加一场例行的告别晚会。

  展览名称“体·统”，概念原生于人体系统，从一系列的现代批判、政治理论及当代心理学出发，正如顾问策展人亚历山德拉·孟璐所说：“林天苗创建并提出‘系统’和‘体系’的检测，揭露和重新塑造自我在社会和技术现实变化中的运作方式。这些系统在物理上、精神上，甚至是诗意层面上都有一定作用，在她所涉足的所有工作中，人体是她的中心关注点，身份与社会环境的关系问题成为其思考和实验的内容，并贯穿于整个展览中。”

  九十年代初，作为中国首批尝试装置和录像制作的女性艺术家之一，她不断尝试各种创作媒介，通过具有女性生活痕迹和符号意义的材料如针、棉、线、丝、布，将这些材料加工、缠绕、覆盖于日常物件上，透露着对日常生活和传统手工艺的关注和反思，以一种独到的想象力及视野形成了鲜明、敏感且细腻的个人风格。从早年的旧作《白日梦》、《嗨！》和《失与得》，观众都不难体会到艺术家注重材料和方法的选择，充斥着手作的质感与生活的温度。2017年，创作二十余年的她却突破一贯使用的传统媒介，选择大范围的应用在现代领域需人工合成的玻璃材料，尝试前所未有的创作挑战。林天苗开始与上海玻璃博物馆合作，从最初掌握玻璃的特性，逐步研究工艺技术，提取“机械”运动等更具有社会化识别标志进行装置实验，寻找科技与艺术之间的平衡点，介入到更丰富的层次和多维度的探索。正是由于材质、创作方法及视觉语言的转换往往是同步的，了解林天苗作品的观众，会因为其材质的转换获得一次全新的体验。

  【万物有灵 Animal Beauty】法国雕塑家丹尼尔·达维欧个人作品展

  动物在艺术史上一直占据着一席之地——从史前拉斯科洞穴生动的单线描绘，到中世纪宗教赋予不同动物的主观预设，再到文艺复兴时期，突破性地以动物为主体展开艺术创作。19世纪以来，法国诞生了多位动物艺术大师，使动物艺术走向了多元化的发展，而一战的爆发揭示了人类空前规模的野蛮和凶残，从而使如Bugatti，Pompon等一众艺术大师进一步打破传统，开始刻画动物的敏感与脆弱，以动物的“人性”对照人类的“”。达维欧在前人的基础上，通过对不同动物个体的深入刻画，以诙谐幽默的方式展现其独特个性，并利用隐藏的人类视角，展现当下人在动物及其生存环境中所扮演的角色，唤起对生态平衡的关注。

  杜梦堂展出的中小型雕塑回顾了艺术家近三十年来的创作生涯，从早期作品到特别为此次展览新委任的作品《金丝猴》(Golden snub-nosed monkey, 2018)。此次展览也包含了数件已绝版的中小型雕塑作品、等比例尺寸的大型动物雕塑，以及首次完整展出的艺术家标志性河马系列作品，力求为中国观众呈现最完整的达维欧。

  本次展览将展出法国雕塑家 Antoine Bourdelle 的38件青铜雕塑、2幅油画、8幅水彩以及若干素描与历史图片，重新审视 Antoine Bourdelle 回归古希腊罗马神话题材而创作的作品，所有展品均来自法国布德尔博物馆的馆藏。

  展览共分为七个单元，第一单元「布德尔的创作之源」呈现他在学习到掌握雕塑技术期间用来汲取灵感的考古文物，第二至第六单元集中展现他重塑古代经典人物及题材的独特创作手法和理念，古希腊雕塑的传统与现代艺术的理念在他的作品中完美融合。

  春归花不落，杜若云章老洋房里的花花世界将于6月1日再开第二季。去年开幕了属于自己的美术馆，北美5大城市巡展正在进行中的“波点婆婆”草间弥生热度不减。很多观众和我们一样喜爱这位先锋艺术婆婆，因此我们将延续上一季花花世界草间弥生部分作品。另外本次和草间弥生“搭档”的是另一位来自日本的当代艺术家奈良美智，同样简洁的画面构成，透露着孩童般的世界观，草间和奈良的作品受到无年龄界限的大众的喜爱。

  草间弥生讨厌各种将自己归类为波普艺术、女性主义艺术等等艺术流派的言论，曾多次强调自己只是个“精神病艺术家”。 精神病包含着某一程度上的变态思维，而创造力是与变态思维紧密联系在一起的，两者的有机结合对于艺术创作者来说可是神赐的礼物。从这种意义上来看，草间的艺术可能更接近于让•杜布菲（Jean Dubuffet）所定义的“原生艺术”(L’Art Brut)，一种具有自发性的，摒弃传统准则和他人审视的创作。

  奈良的创作同样具有很强的自我中心性，他曾在一次杂志访谈中表示，“我只是想表达个别事物，引起想了解这方面的人的共鸣。” 他所做的只是在小小的纸片上拼命画下念想，也没有想要给谁看，才有了奈良的涂鸦。不在意有没有观赏者，即使没有观赏者，仍会创作相同的东西。草间弥生和奈良美智都是这样，从不对自己的作品做过多解释，就像是视觉的暗号，只是让它们用自身的存在吸引来自“同一个星球”的人。

  “亼”是三域文化机构2018年赞助并参与的一个青年艺术家的实验艺术项目。

  本次展览是由7个独立年轻艺术家：陈文华、葛宇路、何利校、宋兮、游飘、杨欣嘉、赵宝琛，和一个6人策划小组——“野波小组”（成员为：陈虹羽、孔华宝、李家茵、李锡浩、吴杰烨、伍聪）的创作作品所组成。

  “亼”（ji音)古义同“集”从入一，三合也；而发展至今意思则是作“孤独、个体” 解。“亼”字从古至今其意的变迁本身就是充满着矛盾与戏剧性，是个匪夷所思的存在，极其符合当下人们的内心活动和这个充满二元对立的现实世界。

  实验艺术无法脱离社会、生存环境而独立存在。此次参展作品能让人感受到的就是:个人在众体当中孤独的挣扎与思考、个人在环境和社会中的角色参与及生存方式。从作品里我们大家可以看到这些 80’s 90’s 后的艺术家们在中国当下快速地发展变革进程中的茫然与应对；处于这信息层出不穷的环境当中，他们的思考、判断、质疑反思及对此的看法与表达——用他们特别的思维方法转化成有效的艺术语言，并传递呈现给大家。

  我们在观看中会重新审视当下，进而产生不同于以往的惯性认识与思考，而此番新的领悟所形成的再次发酵 ——这种外延将是作品的真正价值所在。

  玩具，到成人的手里，成为“玩物”，在一个独有的空间，一群这样的人聚集于此，与大家伙儿一起来分享他们的珍藏。大家看到的听到的触摸到的，将不仅是一个“玩具”，更是属于一个时代的记忆，及拥有共同经历的那代人的童年写照。

  本届艺博会的一大特色是跨界！较以往更全面的展现艺术跨界，如艺术与地产、金融时尚、科技、旅游、品牌等等的多重跨界，给你一个艺术跨界的盛宴。

  将有来自三十多个国家和地区，三百多家艺术机构携近2万件艺术精品，包括当代油画、影像艺术、国画、雕塑、版画、工艺美术、非物质文化遗产等在内的原创艺术作品，聚集广州，一饱你眼福！

  现场还将开设艺术衍生品专区，这些精致的原创小物将“艺术”延伸到生活里的方方面面，亲民的价格也能让爱好艺术的你带走作为纪念。

  在黑暗的笼罩中白昼里不可获知的欲望在无限增长蔓延，所有的感官都将打开放大，以此来证明自身的存在，这也许就是黑夜所带来的意义，交织着伟大与渺小，存在与虚无，复杂与乏味。如果你想要在其中收获满足、虚荣、安全感，抑或某种保障，那你一定会迷失在洪荒之中，它能提供的是一种可能性，曾经出现在在梦中被现实磨灭的眷念。

  不论是在生长少年，旺盛的中年，还是沉重的暮年，都别妄图温和的面对未来，安逸是生命终结之后才应该有的状态，别让自己早早的就死去，抛却了求真、热情、理想、思考，还能用什么来验证自己的存在。

  就像这样的黑夜之于白昼，是已知的空虚面对无限的未来，那些曾经嚣张、任性、热血、愤怒和尖锐都在现实的过往中一点点被消磨。当光亮慢慢消逝，褪下那层精心披上的外纱，你才能隐约寻找到自己那张未曾改变的棱角分明的脸，那双清澈渴望的双眼。

  我们在生活中承载着太多的身份，而却慢慢的将自己的真性情掩埋，你有多了解那个真正的自我，抛却交织缠绕的所有关系，你是否明白真正追求的是什么？

  那个奇怪的你，那个独立的你，那个疯狂的你，那个乖张的你，那个奇葩的你，那个怒吼的你，那个倔强的你，那个游离的你，那个狡黠的你，那个愤世嫉俗的你，那个替天行道的你，那个走入迷失之境的你……

  “淡淡的天色，寂寂的田野，火车走着，像没人理会一般。天尽头处偶尔看见一架半架风车，动也不动的，像向天揸开的铁手。”

  从文艺复兴开始，荷兰的艺术家如同星星一样洒满人文的星空：伦勃朗，哈尔斯，梵高......

  展览是关于一位艺术家和一幅作品的故事，但是作品没有直接展示在大家的面前，而一定要通过解谜才能看见，作品将会告诉观者的故事缺少的那一页。

  这个展览还配备了磁带录音机，观众可以再一次进行选择直接录下你的感想。艺术家还提示大家：展览海报中隐藏着重要线索， 有机会用到“美图秀秀”、“海报工厂”等同类型APP 。

  本土青年插画师Wabaman说，如果说北京路店的展览是“猜谜”，那么珠江新城店的展览则是“解谜”。

  “我这次展览的初衷是，上年受到复仇者联盟的启发，想打造一幅由数幅画组合而成的画，每幅画单独也是一个主题的画，每幅画之间都带着联系，你可以从B画里面获取信息后把A画看得更明白。”

  “最后当所有画组合在一起，你就可以把每一幅画弄明白，并且领汇到最后我想表达的主题。而介绍里的故事是为了给观众更容易的了解这幅大画，虚构的一个时代背景，令到这次展览的主题更加完整，因为画面以外的故事通常是最吸引人的。画跟照片一样，只能留住那一刻的感受，而画面以外是有无限的变化及可能性，而我希望每位观画者发挥那无限的想象力。”

  现代都市夏天惹眼的风景是什么？是酷爆的黑超 T恤牛仔，还是性感的迷你短裙，抑或仙气十足的长裙？这个夏天，粤博将带大家搭上时光列车，领略百年来穿梭于香江的独特风景——长衫。

  长衫对我们而言，或许熟悉，或许陌生。熟悉在于提到“长衫”一词时，也许有人思绪已然飘忽到鲁迅先生的长衫形象；陌生则在于即将与大家见面的“长衫”并不是中式男袍，而是曾经被民国政府定为女装国服，如今我们常说的“旗袍”，香港人口中的Cheongsam。

  “长衫”原指男装中式长袍，在广东一带沿用已久，及至上世纪20年代通用于男女装中式袍服，一直是香港普罗大众和长衫裁缝师傅间的日常用语。香港女性穿着长衫的风潮肇始于内地服饰文化的改变，特别是五四运动期间女穿男袍的现象。由于这种新式袍服类近广东女性惯穿的“衫”的加长版，于是这类衣服被称为“长衫”。这个称谓，不仅反映着女穿男袍的文化起源，更透露深层的文化意义。

  朱佩鸿的抽象作品汲取了城市霓虹的灵感，高振鹏的纸雕塑会发光。所以两人的展览定名为“光临”，一说作品中都有光的元素，另一层意思是欢迎光临。朱佩鸿的作品让人回到欣赏的层面，线条与块面的空间关系组合，色彩面积的对比布局，就像第一次见到米罗的作品具有吸引力。高振鹏采用了非常理性的方式，在电脑里建模，并把这个模型用手工刻印的方式组装拼贴起来。他用这样的形式为自己最喜欢的明星造像，包括C罗、周杰伦和霍金，高振鹏的“超级明星”系列能够充分感受到媒体社会给精英文化带来的冲击。2018年6月9日“光临”朱佩鸿、高振鹏双个展深圳开幕，欢迎光临！

  本次展览征集了艺术家20余件作品，包括绘画作品和素描作品，创作历时1983至2017年，对艺术家的创作脉络做了一个较完整的回顾。这次的作品囊括两种不同的风格和主题：“框架绘画”与“暗色绘画”。“框架绘画”系列是在制作绮丽的木质框架上用轻而薄的材料加以创作，具有犹如视窗的视线，兼有一种轻盈而脆弱的质感；“暗色绘画”系列是在画布上施以笔墨浓厚的颜料。作品或是色彩轻松的涂抹，或是炭笔在纸上苍劲的表达。艺术家从乡村风景中找到了一些被孤立的细节：一幢有层叠烟雾的房屋、一只盘踞在树枝上的孤鸟、或寂寞的人形等等。艺术评论家约翰•尤(John Yau)说：“相对喧嚣，梅林·詹姆斯更喜欢静宜，相对繁杂他更喜欢简化”。梅林·詹姆斯在他的批评著作《绘画本身》中评价美国艺术家亚力克斯·凯玆(Alex Katz)的评论，同样适宜于他自己: “他的绘画并不刻意寻求新奇，却从不重复；他虽然洞悉世事，却不愤世嫉俗。作品里总会有不安，和反复出现的阻难，但他从不炫耀其艰难困苦。”

  面对信息化社会的发展进程，人们学习知识的方式与途径也越加多元，设计教育同样也呈现多元、跨界与时俱进，传统的教育方式与评价体系悄然生变。专业能力从书本知识走出来而转换为察觉缺陷、处理问题的策略与方法，设计教育尤为如此。

  脚踏实地，务实，务本，接地气，通心灵，学设计者，当以此为本，成为一种状态。仰望星空，浪漫、憧憬，好梦与愿景，成为一种追求。又逢毕业设计展，又一批同学们行将离开这里，深大校园留下的人生足迹或许成为一个记忆。毕业设计，对同学的专业学习来说是一个重要结点，意味着从这里是一次回望，又将是新的开始。

  园林是人理想的生活空间，它体现了人对精神和物质生活的追求。由华侨城创意文化园主办的2018 OCT-LOFT公共艺术展以中国园林为出发点，探讨创意园区连接现代生活和中国民间传统文化价值观的种种可能。通过户外当代艺术作品定制，临时公共建筑空间定制，论坛等一系列活动，邀请艺术家、建筑师、学者、园区入驻机构和游人一起思考人与自然的关系、人对品质生活的追求、以及现代中国人特有的生活价值观。

  作为2018年深圳文博会分会场的重要活动之一，本届公共艺术展将于2018年5月5日开幕。由沈瑞筠担任策展人，以“象外之景”为主题，邀请到何健翔、王思顺、萧昱、杨诘苍、杨心广、尹秀珍、郑国谷七位艺术家及建筑师与其精彩作品亮相深圳华侨城创意文化园。在5月5日-8月5日为期三个月的展期里，诚邀您前来探索一个不一样的OCT-LOFT，走进“象外之景”。

  我轻易不敢推荐抽象作品，因害怕没由来的不可诉说。观者不一的敏感度，对结构、线条、色彩及非结论性所产生的感受，拦下一批又一批徘徊在抽象艺术门口的跃跃欲试者。

  以前，老师说要从具像中看到抽象，从抽象中感受到情绪。王振的这批系列作品，完整的从情绪里反馈出抽象，从抽象中获得具象，我的想象力因此获得了圆满。

  我不禁说：混沌世纪终于在一道亮光中开启，大地母亲用金灿灿的土壤孕育出胚胎的体液，生命种子因此雀跃不已，与光一起舞蹈。她们是赤子之心，她们汹涌澎湃，她们无所畏惧，她们不知要去向何处，她们必然留下辉煌。

  无需过度的研习，请在作品前，不假思索的感受创作者的生命激情，便是这次个展的初心。

  开放源（也叫“开放源代码”）指的是一种非集中式的软件生产方式，让软件代码成为共享资源。与封闭系统相比，开放源不是自上而下，从中心到边缘的等级结构，而是一个能随意联结和蔓延，去中心化的网状结构；不是“给予-接受”模式，而是“分享-互动-同创”的模式；不是“完成态”，而是动态“生成”的过程；不是标准化和单向度的，而是多维、复数的。首届深圳艺术双年展，采用“开放源”这个电脑软件术语符合，代表了一种新的艺术创作态度和生产方式，同时它也符合深圳的集体和个人身份认同。

  浮世绘，是一种记录百姓日常生活的绘画形式，它以接地气的主题与风格，受到百姓的喜爱，所以很适合大众欣赏。

  同时，其耳目一新的是艺术的构图方式能表现透视关系、远近关系，线条和无阴影的平涂一样能带来立体效果和体积感，鲜明的色彩更具装扮修饰的效果，多视点、非单一主体使画面能容纳更广泛的内容。对于观众的想象力和审美的提升有很大帮助。

  2011 年，招商局蛇口工业区控股股份有限公司委托槇文彦及其主持的槇综合计画事务所设计海上世界文化艺术中心。为纪念槇文彦在中国首座建筑的落成，特邀槇文彦为设计互联旗下园景展馆策划此开幕特展。

  槇文彦的建筑事业逾半个世纪，他的作品风格几经成长与革新，触及了历史上许多重要时刻。从日本战后重建到纽约世贸中心归零地 (Ground Zero)重建；从乌托邦思想新陈代谢主义和国际现代主义，到二十世纪八九十年代的后现代主义。槇文彦设身处地地适应每个时代的需求，创造了众多立足于当代和所在地语境的城市纪念碑。

  展览介绍了海上世界文化艺术中心设计背后的思考，及其与槇文彦历年作品的相关性。以槇文彦早年的求学经历为出发点，通过近 30 个项目的照片、著述、设计草图、模型等资料，带领观众回顾槇文彦近一生的创作历程。我们大家都希望通过这样的展览形式，向人们传达建筑师的设计理念，加深观众对海上世界文化艺术中心的了解。

  当提到古代地中海及中东地区，各样的宫殿、花园及城墙的古迹遗址便浮现眼前。这一些地方曾有富有的统治阶级，充满着诸如金属器物、石浮雕、象牙、宝石与珠宝等珍贵的奢侈品。这类奢侈品在公元前900至前300年间从远至印度制造并远销至地中海地区。精英阶层随着强盛的亚述、巴比伦及阿契美尼德帝国而出现，他们要富异国风情、奢侈及华丽的物品去彰显他们的社会地位。与此同时廉价的奢侈品仿制品亦应运而生。阿契美尼德帝国的财富，对亚历山大大帝来说是无可抗拒的征服目标。他空前绝后的军事胜利意味着他的版图最终由希腊横越至印度，而希腊的艺术与文化亦因此遍及中东地区。

  是次展览由大英博物馆最新筹备，并以香港为首站展出210多套展品，让观众认识公元前900至前300年的「奢华世代」。

  《法式奇珍》为观众呈现欧洲收藏家数个世纪所搜罗的各地奇珍，其中包含了世间罕见的动物和植物、奇异瑰丽的矿物、以及精巧玲珑的艺术品。由十六世纪开始，欧洲探险者开始踏足亚洲、美洲、非洲等等的「新大陆」，而这一些地方的珍品（包括天然或人造的制品）亦被陆续带回欧洲。欧洲的收藏家们对这些奇珍趋之若鹜，他们把来自世界各地的珍品安置于通称为「珍奇柜」的橱柜或小房间里，作为鉴藏和赏玩的对象。正是由这些各式各样的「珍奇柜」开始，欧洲的学者们开始建立起自然科学的分类体系，为十八和十九世纪的科学研究奠下了基础。

  本次展览将首次向香港观众介绍「珍奇柜」这个充满魅力的世界，并探索「珍奇柜」如何继续吸引着当代的艺术家和收藏家。是次展览承蒙于1831成立并致力保存「珍奇柜」传统的Maison Deyrolle及Musee du Vivant的支持，观众将有机会欣赏经细心挑选由十八世纪至今的艺术及自然珍品。展品强调自然界的多样性，希望观众在欣赏之余，也意识到自然的美丽与及保存的困难，而这些都是当代艺术家们所注目的议题。

  展览内容将环绕「玩‧物‧作」三个范围︰「玩」— 他对人生、文化、社会、设计美学等观点；「物」— 亲自挑选了97项对他设计生涯最具影响力的物件；「作」— 他过去甚具代表性的文化及商业项目。展览会展示李永铨的精选作品，包括海报、雕塑装置，以及最新的木刻版画系列。透过这些展品，让观众认识李氏过去35年的设计历程，以及他对社会经济、流行文化、艺术及设计的哲学理念，并了解海外流行文化怎么样影响香港独有文化的形成和特色。